EL ARTE Y LAS ARTES

Se trata de un conjunto de 427 composiciones en honor a la Virgen María, de las que 356 son cantigas que narran milagros de la Virgen María, y las demás, salvo una introducción y dos prólogos, son de alabanza o loor a la Virgen, o se refieren a festividades marianas o cristológicas. Todas están acompañadas de escritura musical, salvo el poema de introducción. La devoción mariana estaba en auge en ese siglo y participaban en ella religiosos y caballeros. En este ambiente el rey alentaba en sus cantigas a poetas y juglares para que dedicaran sus esfuerzos e inspiraciones a la «Santa Dama». Las dudas sobre la autoría directa del rey Alfonso X el Sabio están resueltas hacia su participación como compositor en no pocas, al menos diez de ellas de atribución real en integridad de modo indudable.

“La imaginación abre a veces unas alas grandes como el cielo en una cárcel grande como la mano”, nos dice el poeta francés Alfred de Muset. La capacidad de imaginar diferencia al ser humano de los demás seres vivos. La imagen implica memoria, dotes de abstracción y elaboración de símbolos o conceptos para expresarlas. Estos son atributos exclusivamente humanos. Una pregunta hasta ahora sin respuesta: ¿cuándo se dio en los humanos este singular atributo?. Según algunas ideas al respecto: Los animales dirigen su atención totalmente hacia el mundo exterior porque este mundo circundante es para ellos un horizonte lleno de peligros, pero cuando este animal se convirtió en humano, encontró tal riqueza de imágenes internas, que la dirección de su atención realizó el más grande y emocionante giro desde afuera hacia adentro. Empezó a prestar atención a su interior, es decir entró en sí mismo. La creación de formas imaginarias independientes de una inmediata praxis se produjo cuando el hombre tuvo que interpretar los aspectos enigmáticos del mundo sensorial. Incluso la aparición reiterativa de formas imaginarias significativas o simbólicas trajo consigo una cristalización de sentimientos que produjo el primer goce estético.

China es la única civilización que subsiste sin interrupción desde hace 5000 años, La evolución del país tiene una coherencia interna, una continuidad en la manera de ver el mundo y una unidad filosófica profunda que se manifiesta una y otra vez bajo las formas cambiantes de los regímenes políticos y económicos. La radical diferenciación china respecto a la cultura occidental, reside en la manera propia y original de ver el mundo. Está en todas las manifestaciones culturales y en el carácter personal del chino, haciéndolo remoto, ambiguo e incluso inquietante para el occidental. El pensamiento chino se materializó en tres sistemas éticos que formaron la vida social china a lo largo de la historia. El confucianismo basado en el respeto a la tradición, el uso comprensivo de las leyes y el cultivo de la personalidad. Doctrina aceptada por el estado para justificar el poder. El budismo importado de la India, llenó el vació de una religión institucionalizada que no existía en China. Sin embargo, el taoísmo, por ser más individualista y místico, no penetró en el sistema social, fue solo una manera de vivir y ver el mundo para pensadores y artistas. La visión particular del mundo en China se manifiesta en tres palabras: sincronicidad, armonía, dialéctica y así se ve reflejado en su arte; tema que compartimos hoy con LA ESTÉTICA TAOISTA.

El arte que surgió en el mundo durante las vibrantes y turbulentas etapas de la guerra donde se gestaron los miedos de hoy, fue el caldo de cultivo de la era de las dudas y la ansiedad global. La «postguerra», término que describe el período histórico que sigue al final de la II Guerra Mundial, coincide con un momento «decisivo» que marcó un punto de inflexión en la historia global. Lo manifestado en las guerras y sus consecuencias se da en lo cultural, lo tecnológico y lo artístico: los países de Europa Occidental menguan su influencia como centros creativos, la cultura popular asciende hacia la alta cultura, ocurre el boom de los medios de comunicación y, a ritmo ascendente, se produce la hegemonía del arte contemporáneo desde Europa hasta Estados Unidos. En 1945, con las heridas aún supurantes y las culpas individuales y colectivas pendientes de castigo o constricción; la filósofa judeo alemana Hannah Arendt, que acuñaría unos años después la certera expresión de la "banalidad del mal", predijo que sería precisamente "el mal" el problema fundamental de la vida intelectual de postguerra en Europa, del mismo modo que la muerte se convirtió en el problema fundamental después de la última guerra. Después de la Segunda Guerra Mundial, el mundo había cambiado. Por lo tanto no sería diferente para el arte con el paisaje de lo experimentado y un efecto sísmico en los artistas y sus influencias. En este contexto dedicamos el tema a el Arte de la Posguerra

Hoy en día, la fotografía está considerada un arte. La cámara, como el pincel y el lienzo o el cincel y el mármol, se ha convertido en una herramienta imprescindible para que muchos artistas expresen sus ideas, emociones y puntos de vista. Y como en todo arte contemporáneo lo importante es la idea o un concepto claro y único, muchas veces esto se sobrepone a la técnica. La fotografía como arte debe proponer el cuestionamiento sobre un tema o una idea. De lo contrario, esta fotografía no será más que una excelente y bien lograda imagen. En la fotografía como en cualquier arte, el concepto y la coherencia estética es lo más importante al crear la imagen. Desde su inicio en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo, han existido dos visiones de la fotografía: por un lado, la destreza técnica y por el otro, la capacidad de crear una imagen que nos brinde perspectivas diferentes del mundo. Cuando ambas se conjugan, estamos creando una obra gráfica artística. Hoy compartimos con ustedes el tema: la fotografía como obra de Arte.