<description>#9 Episode: Conversation with Inna Shevchenko on “Girls and Gods”

This film talk was recorded in English.

On the occasion of the Austrian premiere of Girls and Gods, we met with filmmaker and activist Inna Shevchenko to talk about her first work as a filmmaker/screenwriter - behind and in front of the camera. The film is directed by Arash T. Riahi and Verena Soltiz. It follows Inna while she meets with different women and their spiritual, political, and bodily quests for freedom, intertwining activism, trauma, and transcendence in a cinematic discussion on what it means to live and resist in a patriarchal world in the context of the three monotheistic religions.

In our conversation, Inna speaks about her approach to filmmaking and her process of shaping a constructive dialogue even when opinions were opposing each other, she also talks about the process of selecting the women and initiatives who appear in Girls and Gods. Inna also reflects on the difficult task of shaping the film’s many-hours raw version into its final, concentrated form and how editing became an act of both letting go and sharpening political meaning to find the right balance. We also discuss what her wishes for activism are and why she feels the discussion of religious tradition and practices is essential to feminism. Inna also reflects on the role of cinema and how it can become a tool for collective empowerment and spiritual rebellion.

Girls and Gods is a radical and challenging exploration of womanhood, belief, and liberation. It invites viewers to witness moments of vulnerability and strength, difficult discussions and it leads to questioning systems of domination, and to imagine, alongside its protagonists, a world grounded in equality and freedom.

Before listening to this episode, we recommend watching Girls and Gods currently showing in Austrian cinemas and at selected festivals.</description>

#9 Episode: Conversation with Inna Shevchenko on …

#9 Episode: Conversation with Inna Shevchenko on “Girls and Gods”

This film talk was recorded in English.

On the occasion of the Austrian premiere of Girls and Gods, we met with filmmaker and activist Inna Shevchenko to talk about her first work as a filmmaker/screenwriter - behind and in front of the camera. The film is directed by Arash T. Riahi and Verena Soltiz. It follows Inna while she meets with different women and their spiritual, political, and bodily quests for freedom, intertwining activism, trauma, and transcendence in a cinematic discussion on what it means to live and resist in a patriarchal world in the context of the three monotheistic religions.

In our conversation, Inna speaks about her approach to filmmaking and her process of shaping a constructive dialogue even when opinions were opposing each other, she also talks about the process of selecting the women and initiatives who appear in Girls and Gods. Inna also reflects on the difficult task of shaping the film’s many-hours raw version into its final, concentrated form and how editing became an act of both letting go and sharpening political meaning to find the right balance. We also discuss what her wishes for activism are and why she feels the discussion of religious tradition and practices is essential to feminism. Inna also reflects on the role of cinema and how it can become a tool for collective empowerment and spiritual rebellion.

Girls and Gods is a radical and challenging exploration of womanhood, belief, and liberation. It invites viewers to witness moments of vulnerability and strength, difficult discussions and it leads to questioning systems of domination, and to imagine, alongside its protagonists, a world grounded in equality and freedom.

Before listening to this episode, we recommend watching Girls and Gods currently showing in Austrian cinemas and at selected festivals.

Inna Shevchenko on "Girls and Gods"

<description>#8 Folge: Filmgespräche - Marie Luise Lehner über „Wenn du Angst hast, nimmst du dein Herz in den Mund und lächelst“

Anlässlich des Kinostarts ihres Langfilmdebüts "Wenn du Angst hast, nimmst du dein Herz in den Mund und lächelst" am 26. September in Österreich haben wir Regisseurin und Autorin Marie Luise Lehner getroffen. Wir sprechen mit ihr über den Entstehungsprozess des Films, über die Figuren Anna und Isolde, über Fragen der sozialen Zugehörigkeit, Scham und Solidarität – und darüber, was es bedeutet, das eigene Herz in den Mund zu nehmen und loszulächeln.

Marie erzählt außerdem, wie sie mit ihrem Film etablierte Formen, wie das klassischen Aufstiegsnarrativ ("Vom Tellerwächer zum Millionär") aufbrechen möchte, was es bedeutet von innen zu schauen, wie Musik (Marie spielt auch in der Punkband Schapka) im Film die Funktion eines poetischen Kommentars einnimmt, wie Watermelon Woman sie inspiriert hat und dass das Nachdenken über Queerness und Klasse in der österreichischen Filmlandschaft bisher eindeutig zu kurz kommt. Welche strukturellen und inhaltlichen Aufbrüche würden der öst. Filmlandschaft gut tun? Wie kann man sich durch die Förderstrukturen durcharbeiten und sich dabei selbst treu bleiben?

Im Zentrum des Films steht die zwölfjährige Anna, die gemeinsam mit ihrer gehörlosen Mutter Isolde in einfachen Verhältnissen lebt. Mit dem Wechsel ins Gymnasium in einem Wiener Innenstadtbezirk prallen für sie unterschiedliche soziale Welten aufeinander – und die Frage, wie viel Raum Scham und Stolz im eigenen Leben einnehmen dürfen, wird immer drängender. Auf der Skiwoche muss Anna sich krankstellen, da das dafür gesparte Geld stattdessen in ein Schlafsofa floss, das ihrer Mutter eine Liebesbeziehung ermöglicht und Anna jedoch auch mehr Privatsphäre verschafft. Eine besondere Verbindung entsteht zu Mara, einer Klassenkameradin. In ihrer Freundschaft erproben die Beiden neue Formen von Nähe und Solidarität und loten zugleich Grenzen und Möglichkeiten von Genderrollen aus.

"Wenn du Angst hast, nimmst du dein Herz in den Mund und lächelst" ist ein Film über den Weg von Scham zu Stolz, über Zuneigung, Fürsorge und Solidarität – und ein Narrativ der Hoffnung.</description>

#8 Folge: Filmgespräche - Marie Luise Lehner über…

#8 Folge: Filmgespräche - Marie Luise Lehner über „Wenn du Angst hast, nimmst du dein Herz in den Mund und lächelst“

Anlässlich des Kinostarts ihres Langfilmdebüts "Wenn du Angst hast, nimmst du dein Herz in den Mund und lächelst" am 26. September in Österreich haben wir Regisseurin und Autorin Marie Luise Lehner getroffen. Wir sprechen mit ihr über den Entstehungsprozess des Films, über die Figuren Anna und Isolde, über Fragen der sozialen Zugehörigkeit, Scham und Solidarität – und darüber, was es bedeutet, das eigene Herz in den Mund zu nehmen und loszulächeln.

Marie erzählt außerdem, wie sie mit ihrem Film etablierte Formen, wie das klassischen Aufstiegsnarrativ ("Vom Tellerwächer zum Millionär") aufbrechen möchte, was es bedeutet von innen zu schauen, wie Musik (Marie spielt auch in der Punkband Schapka) im Film die Funktion eines poetischen Kommentars einnimmt, wie Watermelon Woman sie inspiriert hat und dass das Nachdenken über Queerness und Klasse in der österreichischen Filmlandschaft bisher eindeutig zu kurz kommt. Welche strukturellen und inhaltlichen Aufbrüche würden der öst. Filmlandschaft gut tun? Wie kann man sich durch die Förderstrukturen durcharbeiten und sich dabei selbst treu bleiben?

Im Zentrum des Films steht die zwölfjährige Anna, die gemeinsam mit ihrer gehörlosen Mutter Isolde in einfachen Verhältnissen lebt. Mit dem Wechsel ins Gymnasium in einem Wiener Innenstadtbezirk prallen für sie unterschiedliche soziale Welten aufeinander – und die Frage, wie viel Raum Scham und Stolz im eigenen Leben einnehmen dürfen, wird immer drängender. Auf der Skiwoche muss Anna sich krankstellen, da das dafür gesparte Geld stattdessen in ein Schlafsofa floss, das ihrer Mutter eine Liebesbeziehung ermöglicht und Anna jedoch auch mehr Privatsphäre verschafft. Eine besondere Verbindung entsteht zu Mara, einer Klassenkameradin. In ihrer Freundschaft erproben die Beiden neue Formen von Nähe und Solidarität und loten zugleich Grenzen und Möglichkeiten von Genderrollen aus.

"Wenn du Angst hast, nimmst du dein Herz in den Mund und lächelst" ist ein Film über den Weg von Scham zu Stolz, über Zuneigung, Fürsorge und Solidarität – und ein Narrativ der Hoffnung.

Marie Luise Lehner über "Wenn du Angst hast nimmst du dein Herz in den Mund und lächelst"

<description>#7 Folge: Vor der Premiere – Gespräch mit Olga Kosanović über „Noch lange keine Lipizzaner“

Anlässlich des Kinostarts ihres Debütfilms "Noch lange keine Lipizzaner" am 12. September in Österreich haben wir Regisseurin und Drehbuchautorin Olga Kosanović getroffen, um über den Ursprung der Filmidee, ihre Arbeit am Film, das österreichische „Wir“ und Identität, die verschiedenen filmischen Formen im Film, sowie ihre Perspektive und Hoffnungen als Filmemacherin zu sprechen.

Ausgangspunkt ist Kosanović’ eigene Geschichte: Obwohl in Österreich geboren und aufgewachsen, blieb ihr die Staatsbürgerschaft lange verwehrt. Ein Online-Kommentar zu ihrem Fall in einer Tageszeitung brachte den Satz hervor: „Wenn eine Katze in der Hofreitschule Junge wirft, sind das noch lange keine Lipizzaner.“ Der Film nimmt diesen Moment der Abgrenzung als Ausgangspunkt für eine vielschichtige Reflexion über Zugehörigkeit, Identität und das „Wir“ einer Gesellschaft, die trennt zwischen „drinnen“ und „draußen“.</description>

#7 Folge: Vor der Premiere – Gespräch mit Olga Ko…

#7 Folge: Vor der Premiere – Gespräch mit Olga Kosanović über „Noch lange keine Lipizzaner“

Anlässlich des Kinostarts ihres Debütfilms "Noch lange keine Lipizzaner" am 12. September in Österreich haben wir Regisseurin und Drehbuchautorin Olga Kosanović getroffen, um über den Ursprung der Filmidee, ihre Arbeit am Film, das österreichische „Wir“ und Identität, die verschiedenen filmischen Formen im Film, sowie ihre Perspektive und Hoffnungen als Filmemacherin zu sprechen.

Ausgangspunkt ist Kosanović’ eigene Geschichte: Obwohl in Österreich geboren und aufgewachsen, blieb ihr die Staatsbürgerschaft lange verwehrt. Ein Online-Kommentar zu ihrem Fall in einer Tageszeitung brachte den Satz hervor: „Wenn eine Katze in der Hofreitschule Junge wirft, sind das noch lange keine Lipizzaner.“ Der Film nimmt diesen Moment der Abgrenzung als Ausgangspunkt für eine vielschichtige Reflexion über Zugehörigkeit, Identität und das „Wir“ einer Gesellschaft, die trennt zwischen „drinnen“ und „draußen“.

Gespräch mit Olga Kosanović über "Noch lange keine Lipizzaner"

<description>#5 Masks, Gender, and Genre: Inside Billy Wilder’s Cinema in Sunset Boulevard, Some Like It Hot, and One, Two, Three

This episode takes us from the shadows of Sunset Boulevard to the political turmoils of Cold War Berlin—through the sharp, satirical, and entertaining world of Billy Wilder. Born in Austria-Hungary and later forced into exile by the Nazi regime, Wilder rose to become one of the most iconic writer-directors of Hollywood’s so-called Golden Age. But beneath the wit and glamour of his films lie biting critiques of power, gender, and performance—on and off screen.

We explore three of Wilder’s most famous works: the noir comedy of Sunset Boulevard (1950), the screwball cross-dressing comedy Some Like It Hot (1959), and the hyperactive capitalist satire One, Two, Three (1961).

Wilder’s characters are often caught between self-invention and social expectation—whether it's two musicians hiding in plain sight in women's clothing, a fading diva clinging to a forgotten image, or a Coca-Cola executive trying to control everything (and everyone) around him. His films perform genre, but they also perform ideology: letting us laugh, wince, and sometimes mourn at the ways gender, class, and desire are negotiated in mid-century cinema.

Through a diverse-feminist lens, we ask: How does Wilder use performance and disguise—especially in Some Like It Hot—to explore the instability of gender roles and social norms? What do Norma Desmond’s haunting monologues in Sunset Boulevard tell us about ageism, stardom, and the gendered decay of Hollywood dreams? And how does One, Two, Three deploy rapid-fire dialogue and farce to reveal the absurdities of postwar capitalism and patriarchal order?

Key questions in this episode include: How does disguise (voluntary or not) expose deeper truths about identity and social gender performance? What does Wilder’s comedy make visible about power and exclusion? And how do these films speak to the immigrant experience of navigating and reshaping dominant narratives?</description>

#5 Masks, Gender, and Genre: Inside Billy Wilder’…

#5 Masks, Gender, and Genre: Inside Billy Wilder’s Cinema in Sunset Boulevard, Some Like It Hot, and One, Two, Three

This episode takes us from the shadows of Sunset Boulevard to the political turmoils of Cold War Berlin—through the sharp, satirical, and entertaining world of Billy Wilder. Born in Austria-Hungary and later forced into exile by the Nazi regime, Wilder rose to become one of the most iconic writer-directors of Hollywood’s so-called Golden Age. But beneath the wit and glamour of his films lie biting critiques of power, gender, and performance—on and off screen.

We explore three of Wilder’s most famous works: the noir comedy of Sunset Boulevard (1950), the screwball cross-dressing comedy Some Like It Hot (1959), and the hyperactive capitalist satire One, Two, Three (1961).

Wilder’s characters are often caught between self-invention and social expectation—whether it's two musicians hiding in plain sight in women's clothing, a fading diva clinging to a forgotten image, or a Coca-Cola executive trying to control everything (and everyone) around him. His films perform genre, but they also perform ideology: letting us laugh, wince, and sometimes mourn at the ways gender, class, and desire are negotiated in mid-century cinema.

Through a diverse-feminist lens, we ask: How does Wilder use performance and disguise—especially in Some Like It Hot—to explore the instability of gender roles and social norms? What do Norma Desmond’s haunting monologues in Sunset Boulevard tell us about ageism, stardom, and the gendered decay of Hollywood dreams? And how does One, Two, Three deploy rapid-fire dialogue and farce to reveal the absurdities of postwar capitalism and patriarchal order?

Key questions in this episode include: How does disguise (voluntary or not) expose deeper truths about identity and social gender performance? What does Wilder’s comedy make visible about power and exclusion? And how do these films speak to the immigrant experience of navigating and reshaping dominant narratives?

Masks, Gender, and Genre: Inside Billy Wilder’s Cinema

<description>#4 Teen Angst and Quiet Violence? Youth, Gender, and Control in Adolescence, Benny’s Video, and Lovely Rita

This time, we dive into the alienated, disoriented, and at times violent worlds of three teenage protagonists—and ask what their silence, rage, and rebellion reveal about the societies around them. From the one-take intensity of Adolescence (UK 2025, creators Stephen Graham and Jack Thorne), to the disturbing sceneries of Benny’s Video (Michael Haneke, AT 1992), to the suburban revolt-escapisms of Lovely Rita (Jessica Hausner, AT 2001), we trace the intersections of gender, class, and power in cinematic portrayals of adolescent violence.

As always, we take a diverse-feminist lens to look at these stories: How do teenage boys and girls experience control differently? Who is allowed to act out—and who is pathologized when they do? And what role do media, technology, and social isolation play in shaping these young lives?

Each work not only depicts youth violence but also reflects on how violence itself is mediated and consumed—most strikingly in Haneke’s Benny’s Video, which directly implicates the viewer and destabilizes our position as passive observers. These are not just stories about violence; they are stories about how we watch violence. What also connects these narratives is the striking absence of honest parental affection, love, and emotional connection—an absence that becomes all the more devastating for young people growing up in a highly individualized world saturated with media images of violence, yet lacking spaces of care and genuine belonging.

Key questions in this episode include: What kinds of violence are visible, and which are suppressed? How are masculinity and femininity narrated through acts of rebellion? And how do class and parental authority shape the way teenagers are seen—and punished?</description>

#4 Teen Angst and Quiet Violence? Youth, Gender, …

#4 Teen Angst and Quiet Violence? Youth, Gender, and Control in Adolescence, Benny’s Video, and Lovely Rita

This time, we dive into the alienated, disoriented, and at times violent worlds of three teenage protagonists—and ask what their silence, rage, and rebellion reveal about the societies around them. From the one-take intensity of Adolescence (UK 2025, creators Stephen Graham and Jack Thorne), to the disturbing sceneries of Benny’s Video (Michael Haneke, AT 1992), to the suburban revolt-escapisms of Lovely Rita (Jessica Hausner, AT 2001), we trace the intersections of gender, class, and power in cinematic portrayals of adolescent violence.

As always, we take a diverse-feminist lens to look at these stories: How do teenage boys and girls experience control differently? Who is allowed to act out—and who is pathologized when they do? And what role do media, technology, and social isolation play in shaping these young lives?

Each work not only depicts youth violence but also reflects on how violence itself is mediated and consumed—most strikingly in Haneke’s Benny’s Video, which directly implicates the viewer and destabilizes our position as passive observers. These are not just stories about violence; they are stories about how we watch violence. What also connects these narratives is the striking absence of honest parental affection, love, and emotional connection—an absence that becomes all the more devastating for young people growing up in a highly individualized world saturated with media images of violence, yet lacking spaces of care and genuine belonging.

Key questions in this episode include: What kinds of violence are visible, and which are suppressed? How are masculinity and femininity narrated through acts of rebellion? And how do class and parental authority shape the way teenagers are seen—and punished?

Teen Angst and Quiet Violence? Youth, Gender, and Control

NED WUASCHT – WIR GEH’N FISCH’N
der Podcast fürs feministische Filmlesen.

ist ein kritisch, feministischer Filmpodcast der Wiener Filmwissenschaftlerinnen Bianca Jasmina Rauch und Barbara Wolfram.
Alle paar Wochen analysieren wir Filme zwischen Arthouse und Popkultur.

https://nedwuascht.com/
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Ned Wuascht

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